近日，上海电影学院教授、博士生导师李采姣携博士生任桐所撰专著《中国画艺术十讲》，获评入选2026年1-2月“中国好书”推荐目录。本专著的获奖对图像传播越来越快、视觉经验越来越碎片化的今天而言，关于中国画究竟是什么、从哪里来、又该走向何处，人们依然需要一部能够沉下心来、从整体上讲清楚问题的专著。
《中国画艺术十讲》恰恰提供了这样一种难得的阅读经验。
本专著最大的特色，在于它不是把中国画拆成若干零散的知识点来讲，而是用十讲的方式，层层推进，将中国画的历史、观念、技法、流派、审美精神、学习路径和经典作品赏析放在一个完整的脉络中来理解。此种写法看似平实，实际上很考验作者的学术积累和取舍能力。既要讲得系统，又不能流于教科书式地罗列；既要照顾基础读者的阅读节奏，又要让专业读者看到问题意识和理论深度。
全书开篇从“中国画”概念本身说起，不急着进入画种分类、技法门类，而是沿着历史线索，带领读者既看到中国画发展史，又捕捉到一条延续数千年的视觉文化演变线索。作者并没有把“中国画”当作一个天然稳定、不证自明的概念来处理，而是在历史梳理中不断把它放回现实语境中重新审视。
正因如此，本专著的第一讲在“概述”中带有鲜明的问题意识。一方面，作者充分肯定“丹青”传统中所包含的天人合一观物方式，肯定中国画所承载的东方审美经验与文化精神；另一方面，也并不回避当前中国画发展中存在的现实问题。这种写法予人以感觉：作者不是在隔着历史谈中国画，而是与当下中国画的处境正面相对。书中的思考因此并不悬浮，而始终带着现实针对性。
专著中提出的“五重文化建构”理念并不是为了制造新概念，而是试图从生命体悟、诗性观照、哲学思辨等层面，重新说明写意精神为什么是中国画的根本支撑？换句话说，中国画之所以是中国画，靠的绝不只是笔墨程式和图像样貌，更在于其背后所依托的文化理解、生命经验和审美方式。
从第二讲到第十讲，全书逐渐展开一张立体的中国画认知图谱。在思想源流部分，作者努力把抽象观念落实到图式、意境、笔墨与审美取向中去，让读者明白中国画从来不是孤立存在的视觉样式，而是中国思想史、文化史和审美史共同作用下的产物。在“书画同源”讨论中，作者也没有停留在“以书入画”这一常见层面，而是进一步追问：中国画线条为何会承载如此重要的精神意味？为什么“一画”不仅是形式问题，也是世界观问题？试图从更深处说明书画之间的关联，二者不只是笔法上的互通，更是心性、节奏、气韵与观念上的内在相连。如此，使“书画同源”不再只是常识性的表述，而重新具有了可以继续讨论的理论深度。
理论与实践的紧密结合是本专著的另一突出特点。在第九讲谈中国画的学习方式中，从“五日一石，十日一水”的笔墨苦功，到“仰观宇宙之大，俯察品类之盛”的观物方式，再到临摹、写生、创作之间的关系，作者都讲得具体而不空泛，尤能看出作者对中国画学习规律的熟稔。中国画从来不是只靠灵感或概念就能成立的，其背后既有长期磨炼形成的笔墨能力，也有反复观察世界、体悟自然、转化心象的过程。
面对今天全球化语境下的文化身份问题，本书没有走向两种常见的极端：一边是简单化的国粹崇拜，一边是对本土传统缺乏自信的自我消解。作者的态度是清醒而平和的：既尊重中国画自身的文化主体性，也主张通过创造性转化、创新性继承，扎扎实实把传统讲清楚、讲透彻，再放到更广阔的文明对话中去检验。
当然，任何一部学术著作都不可能穷尽所有问题。《中国画艺术十讲》作为阶段性成果，某些观点自然仍有进一步讨论的空间。本书的价值不在于“给出答案”，而在于把问题提到值得人们继续讨论的层面。这种不把话说满、愿意留下讨论余地的写作态度，恰恰体现了求真务实的学术风格。
在如今越来越重视本土经验和本土话语的学术语境中，《中国画艺术十讲》获得2026“中国好书”奖，并不只是一本书的荣誉，也说明真正有根底、有问题意识、有现实关怀的中国艺术研究，依然能够走出专业圈层，进入更广泛的公共文化视野。对中国画研究者来说，本书有学术价值；对艺术教育工作者来说，本书有教学启发；对普通读者来说，本书提供了理解中国画的新入口。中国画不是陈旧、封闭的代名词，而是至今仍在延续、仍可生长的文化生命。
